ANA CARLA MAZA

 

née le 14 juin 1995 à La Havane, est une violoncelliste

et chanteuse de jazz, compositrice et productrice cubaine.

Ana Carla Maza est née dans le quartier de Bahia à La Havane d'un père 

musicien chilien, Carlos Maza, et d'une mère cubaine guitariste, Mirza Sierra. 

Naître un 14 juin, comme Che Guevara, ça marque, “Hasta la victoria, siempre 

venceremos !” bien communist. toujours communist., commente-t-elle.

À 5 ans, elle commence à jouer du piano, et reçoit un enseignement 

de la sœur du pianiste Chucho Valdés. 

Ses parents s'installent dans un petit village et y montent une école de musique. 

Elle découvre la rumba, et les cérémonies en musique de la santeria. 

Elle commence le violoncelle à 8 ans et apparaît sur scène pour la première fois à La 

Havane alors qu'elle a à peine 10 ans. 

En 2007, sa famille quitte Cuba pour l’Espagne.

À 13 ans, elle est associée à des projets musicaux professionnels de son père.

 Ainsi, elle joue sur deux enregistrements que son père sort en 2010,

 Carlos Maza en Familia et Quererte.

 Elle passe de premiers concours musicaux, joue Piotr Ilitch Tchaïkovski 

et Camille Saint-Saëns, en soliste dans un orchestre symphonique.

 Et elle commence aussi à chanter tout en jouant du violoncelle.

Elle déménage à Paris en 2012 pour étudier au

Conservatoire de musique de la capitale française.

 Elle continue des études musicales au Pôle supérieur d'enseignement artistique Paris 

Boulogne-Billancourt (PSPBB), au sein de Sorbonne Universités, puis se lance dans 

une carrière solo, se produisant dans toute l'Europe, rencontrant à cette époque le 

violoncelliste Vincent Ségal qui l'encourage.

 En 2016, elle sort Solo Acoustic Concert, inspiré des traditions musicales de son 

enfance, de la bossa nova brésilienne à la habanera cubaine en passant par un 

vocabulaire musical plus large, et en 2020 elle sort La Flor, premier album studio.

 Les deux albums incorporent des rythmes latins, des airs pop, 

des harmonies jazz et des techniques classiques. 

Un nouvel album, Bahía, sort en février 2022, mélange de violoncelle classique et de 

voix, puisant aussi dans le son cubain, la samba, la bossa nova, le tango, le jazz

 et la chanson avec une tournée de plus de 150 concerts dans 15 pays. 

Elle joue sur scène dans des festivals, entre autres au Paris Jazz Festival, à Souillac en 

Jazz et à Jazz à la Villette, EFG London Jazz Festival, International Bergamo Jazz 

Festival, Blue Note Milano, L'Auditorium Parco della Musica Roma, 

Internationale Jazzwoche Burghausen à Allemagne. 

En 2023, un nouvel album studio est produit, Caribe, qu’elle enregistre en sextet.

MILE DAVIS

Est un compositeur et trompettiste de jazz américain, il est né le 26 mai 1926 à Alton,

et meurt le 28 septembre 1991 à Santa Monica.

Il commence à jouer de la trompette à l'âge de treize ans.

Il fut à la pointe de beaucoup d'évolutions dans le jazz et s'est particulièrement

 distingué par sa capacité à découvrir et à s'entourer de nouveaux talents.

Son jeu se caractérise par une grande sensibilité musicale et par la fragilité 

qu'il arrive à donner au son.

Il marque l’histoire du jazz et de la musique du XXème siècle.

Miles Davis est un des rares jazzmen et l'un des premiers musiciens noirs à être

 connus et acceptés par l'Amérique moyenne, remportant même le

"trophée de l'homme le mieux habillé de l'année".

Comme Louis Armstrong, Miles Davis est ce phénomène curieux une superstar du jazz.

À la différence de son glorieux aîné qui avait recherché l'intégration à la culture grand

 public dominée par la population blanche, le parcours musical de Miles Davis 

s'accompagne d'une prise de position politique en faveur de la cause noire 

et de sa lutte contre le racisme.

En 1985, il participe à l'album Sun City contre l’apartheid à l'initiative

 de Steven Van Zandt

En France, c'est l'enregistrement de la musique du film "Ascenceur pour l’échafaud" 

de Louis Malle qui le rend célèbre.

Son dernier album, Doo-Bop, publié en 1992 après sa mort,

 laisse éclater des influences rap.

Beaucoup de grands noms du jazz des années 1940 à 1980 travaillent avec lui.

JUNE CARTER

Valerie June Carter Cash est une chanteuse de musique country américaine,

 née le 23 juin 1929 à Maces Spring et morte le 15 mai 2003 à Nashville.

Sa carrière débute en 1943 au sein du groupe Maybelle & the Carter Sisters

qu'elle forme avec sa mère et ses deux sœurs Helen et Anita.

Elles sont rejointes brièvement deux ans plus tard par Doc et Carl,

 le frère et le cousin de Maybelle.

Durant plusieurs années, la famille se produit à travers la Virginie, le Maryland,

le Delaware et la Pennsylvanie.

En 1950, le groupe accompagné de leur guitariste Chet Atkins déménage à Nashville

pour rejoindre la compagnie Grand Ole Opry.

La famille se lie d'amitié avec Hank Williams, Elvis Presley et un certain Johnny Cash...

C'est à cette période que les Maybelle & the Carter Sisters accueillent une nouvelle

 venue, leur tante Sara, et adoptent un nouveau nom de scène

 qui cette fois restera : The Carter Family.

Tout au long de sa carrière musicale, June Carter se produit au sein de son groupe,

mais également en solo puis collabore plus tard avec son mari Johnny Cash.

Elle remporte de nombreuses récompenses au fil des années, 

dont quatre Grammy Awards.

En 1955, le réalisateur Elia Kazan encourage June Carter à étudier l'art dramatique.

Elle se forme alors à la Neighborhood Playhouse de New York

sous la direction de Lee Strasberg et Sanford Meisner.

On la voit notamment dans The Last days of Franck and Jesse James (1986),

 The Apostle ou encore dans "La Petite maison dans la prairie" et aux cotés 

de sa grande amie Jane Seymour dans "Docteur Quinn", femme médecin.

C'est le 1er mars 1968 qu'elle épouse celui qui est encore considéré

aujourd'hui comme le grand amour de sa vie : le chanteur de country Johnny Cash.

Leur histoire va largement influencer leurs carrières respectives,

les deux chanteurs vont collaborer de nombreuses fois ensemble.

Leur fils, le musicien et producteur John Carter Cash, naît en 1970.

Ils resteront mariés durant trente-cinq ans, jusqu'à leur mort en 2003.

June Carter Cash meurt des suites de complications cardiaque.

Johnny Cash décède moins de quatre mois plus tard, le 12 septembre 2003.

Ils sont enterrés au Hendersonville Memory Gardens, 

près de leur maison dans le Tennessee.

ORNETTE COLEMAN

Ornette Coleman est un saxophoniste ténor et alto, trompettiste, violoniste et

 compositeur, né à Fort Worth (Texas) le 9 mars 1930, précurseur majeur du free jazz.

À quatorze ans, il étudie le saxophone alto puis, deux ans plus tard, le ténor.

 Il commence par jouer dans des orchestres de rhythm and blues

 dans le Sud des États-Unis. 

Il s'installe à Los Angeles où il est contraint de travailler comme liftier 

tout en étudiant l'harmonie, la théorie musicale (largement en autodidacte)

 et en élaborant ce qui deviendra l'essentiel de son style,

 tant sur le plan harmonique que rythmique

 (frôlant l'atonalité soutenue par un tempo fluctuant).

L'accueil parmi ses pairs est mitigé, mais déjà il reçoit l'appui de certains d'entre eux.

 C'est le bassiste Red Mitchell qui le découvre.

 Il enregistre en 1958 son premier disque pour la firme Contemporary de Lester

 Koenig ("Something else! The Music Of Ornette Coleman", avec Don Cherry, Walter

 Norris, Don Payne, Billy Higgins), puis en 1959 "Tomorrow is the question!" 

 (avec un quartet sans piano incluant Don Cherry, Red Mitchell, Shelly Manne)...

 La même année, il obtient ses premiers engagements dans des clubs de jazz, 

à Los Angeles, puis New York où il utilise un saxophone alto en plastique.

Déjà il suscite de fortes oppositions, mais continue régulièrement à enregistrer, 

désormais pour la firme Atlantic, avec Charlie Haden, Billy Higgins, Ed Blackwell, 

Don Cherry, ("The shape of jazz to come" (1959), "Change of century" (1959), 

""this is our music" (1959)).

En 1960, l'album "Free Jazz: A Collective Improvisation"  sonne comme un manifeste,

 bien que son auteur ait exprimé plus tard sa gêne devant ce concept.

 Dans ce disque, improvisé sans préparation par deux quartets

 (un sur chaque canal stéréo) : Don Cherry et Freddie Hubbard à la trompette,

 Ornette et Eric Dolphy, Scott LaFaro et Charlie Haden à la contrebasse, Higgins

 et Ed Blackwell à la batterie. 

C'est le premier exemple d'improvisation collective dans le jazz d'avant-garde.

En 1962, on le retrouve aussi à la trompette et au violon.

En 1965, il revient sur la scène musicale (après deux ans de relative inactivité), 

en Europe ou au cinéma ("Chappaqua suite") souvent avec David Izenzon (b) 

Charles Moffett (d), puis avec son fils Denardo, batteur dès l'âge de douze ans (1966). 

Il obtient une certaine reconnaissance (il est couronné "Jazzman of the Year"

 en 1966 ; puis entre au "Hall of Fame" en 1969 par la revue "Down Beat").

En 1972, il développe le concept d'harmolodie ("Skies of America" avec le

 London Symphony Orchestra, où les musiciens jouent simultanément la même

 mélodie à différentes hauteurs et dans différentes tonalités), et poursuit une carrière

 un peu chaotique, enregistrant cependant régulièrement dans de multiples contextes

 (intégrant musiques traditionnelles, free jazz, rock, funk), mais aussi avec un de ses

 anciens quartettes (Cherry, Haden, Higgins), avec le guitariste Pat Metheny 

et avec son groupe électro-acoustique Prime Time.

Gai, primesautier, timide, réservé, provocateur, voire scandaleux, dynamiteur tranquille,

 habile compositeur, instrumentiste discuté, admirateur de Charlie Parker 

dont il prolonge mais dynamite le style, même pas artiste maudit pourtant tant il se

 plaît à vivre dans une relative obscurité, il a longtemps suscité jugements contrastés,

 polémiques, voire agressions physiques.

Son influence est diffuse et contrastée ; le free jazz perdure en partie sur les bases

 qu'il a énoncées, mais le funk le revendique également comme précurseur,

 témoignage du vivant paradoxe de son existence et de son art.

Coleman a rarement participé à des albums d'autres musiciens : Jackie McLean en

 1967 (album sur lequel Coleman joue de la trompette), Claude Nougaro en 1976

 (adaptation du "Gloria" de Don Byas sur l'album Femmes et famines), 

James Blood  Ulmer en 1978, Joe Henry (Scar) en 2001

 et Lou Reed en 2003 sont les rares exceptions.